O que perguntar para Stefan Goldmann? Quando me foi incumbida a difícil missão de entrevistá-lo este foi o primeiro questionamento que pairou em minha cabeça. Afinal, está aqui um artista que transpassa qualquer barreira do tradicional na música eletrônica e realiza uma entrega brilhante em todas as frentes que atua, principalmente como uma das figuras mais respeitadas e vanguardistas do Techno.
A começar pelas conceituadas gravadoras que acompanham seu trabalho como produtor musical desde o início de sua carreira. Stefan é um dos responsáveis pela ascensão do respeitadíssimo label Classic desde 2001, e tem releases também pelo Perlon, Innervisions, Cocoon e Ovum, para citar alguns. Já em 2007 lançou seu label, Macro, onde concentra não apenas seus próprios lançamentos, mas também de outros artistas que, assim como ele, seguem uma eterna busca por novas aventuras sonoras .
Quando falo em aventuras, elas alcançam ambientes inexplorados e desafiadores. Em seu caráter mais experimental dentro da música, Goldmann já apresentou concertos no Templo Honen-in de Kyoto e, no ano passado, colocou música eletrônica pela primeira vez na história na Philharmonie de Berlim, onde criou uma apresentação sob medida para a arquitetura acústica do Grand Hall do local.
Para Goldmann, a música eletrônica também é objeto de muito estudo e ele iniciou uma pesquisa sobre digitalização e estética da música eletrônica e ainda pré-definições de som, temas nunca antes aprofundados em campos literários. Os resultados desses estudos se transformaram em artigos e, para ele, os assuntos são tão complexos e abrangentes que deveriam se transformar em livro.
Acredito que apenas com este breve resumo já é possível entender a grandiosidade deste artista. A vontade de tirar o máximo proveito dessa oportunidade de conversa era imensa e o questionamento sobre “o que” perguntar para ele era muito mais em um sentido de escolha dos temas. As respostas foram assertivas, profundas e de leitura obrigatória para qualquer profissional que atua em nosso cenário, artista ou não.
Para acompanhar a leitura, Stefan ainda nos presenteou com um mix para nossa série de podcast da Troally, então a sugestão é dar play e ingressar nessa grande aula:
Alataj: Olá Stefan, tudo bem? Muito obrigada por nos receber! As perguntas para você são muitas! Gostaríamos de começar por uma que te leve ao começo de sua trajetória. Você nasceu em Berlim Oriental em um momento muito turbulento da história alemã, que impactou fortemente a maneira daquela geração de enxergar e fazer arte. Você pode dizer que o trabalho que desenvolve hoje também vem de um impacto desse período?
Stefan Goldmann: Ei Laura, obrigado por me receber! Antes de 1990, Berlim Oriental era um lugar cinza e deprimente, e a perspectiva de ficar preso ali pelo resto da vida também não era animadora. É difícil transmitir a sensação para quem não experimentou em primeira mão, mas há este vídeo de um passeio de bonde pela cidade naquele momento e captura o clima com bastante precisão:
Então, todo o regime desmoronou em apenas algumas semanas. Considero isso um dos maiores milagres da minha vida. De refém a um estado governado por ideólogos terríveis, a todas as oportunidades do mundo que parecem abertas durante a noite. Claro que nada foi tão fácil quanto parecia, mas poder sonhar com qualquer coisa é algo que me carrega até hoje. Então, sim, estou mais faminto do que nunca por descobertas, por novas perspectivas, lugares, pessoas, música.
Você possui uma abordagem interdisciplinar em todo o seu trabalho com a música e sair do espaço criativo comum hoje não envolve apenas a curiosidade e/ou certo talento, mas também estudo, tempo de dedicação, experimentações, etc… estou correta? No seu caso, a curiosidade pelo novo sempre caminhou contigo ou foi sendo lapidada ao longo dos anos? Existe alguma forma de manter a capacidade criativa apta/ativa em uma constância numa sociedade e momento que nos afeta tanto psicologicamente?
Estou tentando melhorar no que faço, então talvez algumas partes da arte sejam mais polidas do que o que eu fazia há dez anos. Fora isso, o ponto principal para mim é não ficar entediado. Pode-se perder tempo tentando empurrar os detalhes com perfeição, mas esse é um cenário de retornos decrescentes rapidamente. Prefiro fazer algo o mais certo possível da primeira vez e depois tentar algo diferente. Na minha experiência, não há limite para o quanto você pode mudar os elementos da música toda vez que um novo caminho se abre. É literalmente infinito. Uma vez que tudo está na música e nas próprias ferramentas, a descoberta não pode ser evitada se você apenas tentar. Sempre fui um formalista a esse respeito, pensando que a música molda as situações sociais mais do que o contrário. Mas sim, é difícil continuar produzindo faixas de dança quando ninguém está dançando. Pela primeira vez em anos senti que poderia me permitir brincar com coisas sem nenhum objetivo novamente. Sem prazos, sem exigências. Tudo o que eu queria fazer no estúdio, sondando alguma coisa simples por horas. Bem, sempre há uma maneira de encontrar significado nas coisas, não é?
Enquanto escrevo essas perguntas estou ouvindo sua apresentação na Philharmonie de Berlim e é realmente um projeto muito diferenciado. Conte um pouco de como ele chegou até você e, como curador do festival, o motivo da escolha dos artistas.
Isso veio um pouco do nada. Um dia recebi uma mensagem onde me perguntavam se gostaria de ser curador artístico de um festival de música eletrônica neste local. Para quem não conhece o edifício, é um espaço bastante especial – talvez um dos melhores ambientes acústicos do mundo. É também o lar de uma das melhores orquestras do mundo. Não havia indicação anterior de que esta instituição tivesse interesse em música eletrônica, então foi um grande desafio encontrar um perfil que fizesse sentido neste cenário. Depois de pensar um pouco, descobrimos que faz mais sentido não ir para a fusão ou crossover, mas para convidar artistas puramente eletrônicos ao nível mais alto do que é possível neste meio e permitir que eles interajam com o espaço da maneira que acharem melhor. É claro que algumas das melhores músicas eletrônicas são Dance Music, então havia um palco para isso, e o Grand Hall para apresentações que eram focadas em ouvir em um ambiente sentado. Você sabe, existem tão poucos espaços adequados para realmente apenas ouvir música eletrônica – quero dizer, sem um ruído de fundo constante de algumas centenas de pessoas gritando seus pedidos de bebidas no bar.
Foi importante para mim focar em artistas com contribuições pessoais profundas para o desenvolvimento da música eletrônica, com uma influência que continua se estendendo no futuro. Pense em Ryoji Ikeda, Robert Henke e Cristian Vogel, mas também em alguns artistas mais novos que já provaram que têm contribuições individuais ao mais alto nível – tome SÖS Gunver Ryberg ou Deena Abdelwahed, por exemplo. Portanto, não se trata tanto de apresentar estilos, cenas e movimentos, mas abordagens individuais que se destacam marcadamente. Agora, em um contexto de música clássica, geralmente há um foco em compositores individuais. É tentador querer replicar essa estrutura e procurar equivalentes em outros gêneros – e de fato a maioria dos artistas que atuaram têm contribuições muito distintas em termos de suas próprias produções. Mas é claro que há também o impacto de DJs e marcas de labels que podem levar essas coisas para uma forma de arte, como Nina Kraviz e sua gravadora Trip, e isso também foi ótimo para mostrar.
Li que essa foi a primeira vez que a Philharmonie de Berlim abre suas portas para a música eletrônica. Também já notei poucos artistas que migraram da música clássica para a eletrônica. Como você enxerga essa fusão entre estilos que aparentam uma distância, não apenas temporal como cultural?
Não vejo isso acontecendo com muita frequência. Existe uma lacuna que raramente pode ser preenchida. Músicos clássicos não entendem de música eletrônica e vice-versa. Acho que não há potencial algum em combinar qualquer coisa relacionada à música clássica europeia do século 19 ou mais antiga com qualquer coisa eletrônica. Por outro lado, há uma composição contemporânea que é tão experimental e ousada quanto o melhor do Techno – estou pensando em compositores como Ligeti ou Scelsi. Portanto, se houver um processo para aprender em ambas as direções, pode haver grandes resultados a partir dele. Ainda existem poucos exemplos significativos – um que vem à mente é o projeto de Ryuichi Sakamoto e Alva Noto com o Ensemble Modern. Portanto, pode ser feito, mas até agora é raro.
Sua apresentação foi criada sob medida para arquitetura acústica do Grand Hall e este não é o primeiro ambiente fora de club em que você se apresenta. Como acontece o processo de produção e execução da apresentação para que você possa tirar o som do estúdio e colocá-lo em um ambiente acústico diferente e aproveitar o máximo que o espaço pode te proporcionar?
Acho que geralmente a música eletrônica é produzida para alto-falantes que podem basicamente ficar em qualquer lugar. Cabe aos DJs selecionar, lançar e mixar de acordo com a situação. Eu fiz alguns projetos para lugares muito específicos onde fazia sentido personalizar a música para se encaixar melhor no cenário. Provavelmente o concerto que fiz no Templo Honen-in de Kyoto é o mais extremo nesse aspecto, já que o cenário é totalmente diferente de qualquer outro lugar onde eu já toquei. Tive três meses para trabalhar nisso em Kyoto, o que é uma oportunidade muito rara.
Aproximar-se da Filarmônica foi algo semelhante. Fiquei muito tempo na sala durante o planejamento do festival e pude me acostumar a ouvir esse espaço. Produzi quase tudo do zero e estou feliz que pudemos gravar ao vivo, capturando a acústica real em vez de usar efeitos de reverberação no estúdio. A acústica do Grande Hall foi projetada para transmitir detalhes sonoros muito intrincados – você pode apenas tocar levemente um violino com um arco e aquele minúsculo “clique” será ouvido por toda a sala. Por outro lado, ele não lida muito bem com muitos graves e não é ideal com música baseada em batidas. Eu poderia trazer aspectos do som para o primeiro plano que normalmente não têm muito espaço para respirar no Techno padrão. Se você pensar sobre isso, quando você souber o espaço real em que estará tocando, terá muito mais informações disponíveis do que ao produzir uma faixa onde você não tem controle de onde ela será tocada. Existe uma ligação muito mais forte entre a música e o lugar. Na verdade, pode ser mais fácil do que tentar fazer algo que soe bem em qualquer lugar.
Sua busca pelo que é novo e diferente das tendências é perceptível, ainda mais em um cenário artístico onde vê-se mais do mesmo. Muitos acreditam não haver mais para onde ir criativamente e percebe-se uma necessidade de colocar artistas em caixinhas de estilos, de labels, e assim por diante, mesmo com uma quantidade de recursos nunca antes vista. Como você vê esse momento que vivemos musicalmente? Você acredita que há um movimento expressivo de artistas buscando sair dessas caixinhas?
Não existe apenas uma abordagem correta. Acho que há uma beleza em seguir objetivos comuns, que é o que as pessoas fazem quando se colocam em uma caixa. O que parece um estilo estreito para alguns é uma forma de se conectar com outras pessoas. A maioria desses estilos restritos de hoje são amplamente internacionais e você pode participar de qualquer lugar. Por outro lado, o grande número de pessoas fazendo exatamente isso garante que um, dois ou três em cada gênero minúsculo sejam realmente ouvidos, enquanto os outros só têm significado local, no máximo. Portanto, realmente depende do que você está procurando. Parece mais fácil se apegar a algo que já está estabelecido, mas então você atinge o teto bem rápido. Sempre é mais difícil inicialmente construir algo do zero, para convencer as pessoas a interagir com isso e torná-lo parte de suas vidas. Mas se as pessoas eventualmente concordarem com você, é muito mais forte do que ser um em mil fazendo a mesma coisa. Ambas as abordagens têm seus méritos e seus prejuízos.
A ideia da Macro é justamente não se prender a padrões e impulsionar artistas e trabalhos atemporais, certo? Isso foge do que vê-se majoritariamente no mercado em termos estéticos sonoros e estratégicos dos labels enquanto marcas. Você acredita que essas estratégias de mercado engessaram também a capacidade criativa dos artistas, prejudicando a arte no geral?
Se você analisar qualquer mercado, sempre encontrará inovadores individuais dominando. Coca-Cola, Microsoft, Mercedes Benz – você escolhe. Nunca é como se o 57º concorrente ao mudar para uma categoria de produto já existente conseguisse algum negócio. Somente nas artes as pessoas pensam que imitar inovadores de sucesso – que são precisamente bem-sucedidos porque fizeram o que ninguém mais estava oferecendo antes – é de alguma forma um caminho promissor para obter participação de mercado. Talvez seja porque as pessoas não definem seus objetivos altos ou baixos o suficiente. A maioria das pessoas visa o meio. A maioria das pessoas – com razão – não acredita que possa ser a próxima Beyoncé ou Jeff Mills ou quem já domina seu campo de interesse. Portanto, eles pretendem ser medianos, e a maneira de fazer isso é imitando. São necessárias pessoas que confiam excessivamente em seu potencial ou que pensam não ter nenhum potencial para fazer as coisas que realmente abrem novos caminhos. Se você olhar as raízes do Hip Hop ou House ou Techno ou uma longa lista de outros estilos, você encontrará algumas crianças no centro que fizeram algo com grande paixão, mas com expectativas modestas. O importante é que eles não tentaram ingressar em um perfil profissional existente. Eles não se preocuparam em satisfazer quaisquer critérios pré-existentes. Se eles tivessem, eles não poderiam ter feito o que fizeram. Hoje, essas são indústrias de vários bilhões de dólares, mas não é como se alguém tivesse previsto isso no início. Então, sim: aponte para cima ou para baixo. A abordagem racional, ou seja, visando o meio, é aquela que geralmente não leva a lugar nenhum.
Aproveitando o assunto, o que você acha que faz de uma faixa atemporal?
Capturar algo que já existe, mas que espera se manifestar no mundo: indo aonde a cultura quer, indo aonde a tecnologia quer. Acho que isso deve acontecer para garantir seu lugar na história quando acontecer. Assim que surgiu uma guitarra elétrica, ela queria ser distorcida. A cultura queria que fosse distorcido. Então, foi isso e as formas principais de fazer isso são os clássicos de hoje. Milhões de discos vendidos do que basicamente era algo que precisava de conserto. Assim que a bateria eletrônica Roland 909 foi lançada, ela queria que o Techno existisse. E foi o que aconteceu.
Existe este conceito de ‘possível adjacente’ – a soma dos próximos passos que podemos tomar de onde estamos agora. Se você apenas der passos suficientes em todas as direções possíveis, você eventualmente e talvez acidentalmente descobrirá para onde a cultura quer chegar. É claro que todo tipo de pessoa faz isso o tempo todo e, às vezes, você encontra outros viajantes, que é como cenas e estilos surgem. Antigamente, havia apenas menos pessoas fazendo menos gravações. Inevitavelmente, uma proporção maior dos que o fizeram acabou criando “clássicos”. Agora você tem alguns milhões de músicos gravadores, então os clássicos não acontecem mais tanto no nível da música ou faixa, mas no nível das ferramentas que todos usam. Hoje, o software e as predefinições são o que os registros – músicas, faixas, álbuns – costumavam ser.
Você é um grande estudioso da digitalização e estética da música eletrônica e também pré-definições de som, um tema que considero complexo e que, honestamente, vi pela primeira vez agora. Quando você teve a intenção de escrever sobre o tema já existiam estudos sobre isso dentro da música eletrônica para que você pudesse partir de uma ideia, ou foi algo que surgiu a partir da sua experiência e experimentações? O estudo foi realizado sozinho ou você contou com a participação de outros profissionais?
Quase nada. A musicologia ignora totalmente a música eletrônica repetitiva e descobri que poderia realmente fazer uma incursão aqui. Muitas das ferramentas teóricas existem em outros lugares, mas até onde posso dizer a maioria nunca foi aplicada à música eletrônica. Portanto, o fenômeno das ‘predefinições’ foi um bom ponto de partida para examinar como as ferramentas moldam a música. Em vez de escrever uma teoria sobre isso, achei que seria mais divertido pegar um grupo de praticantes – principalmente músicos, mas também designers de instrumentos e softwares – e apenas questioná-los sobre sua prática. É um pouco como um estudo etnográfico, examinando a cultura que se desenvolveu entre as pessoas e suas ferramentas nas últimas décadas. O próximo passo seria realmente descrever a estética do Techno como a prática mais significativa da música eletrônica. Eu fiz isso resumidamente como um artigo até agora, mas acho que definitivamente mereceria um livro também.
Qual foi o impacto que estes estudos proporcionaram na hora de executar seu trabalho e enxergar a música que você cria?
Os músicos entendem implicitamente o que a teoria tenta tornar explícito. Eu não acho que sou uma exceção, então muito do que tento descrever em palavras que faço para descrever as coisas, e não para influenciar minha produção real. Na verdade, tento ser mais ousado e mais claro sobre meus objetivos artísticos. Como falamos anteriormente, como há tantas pessoas trabalhando em coisas semelhantes, é melhor ser o mais claro possível no que você está fazendo. Para amplificar a diferença para todas as outras coisas, tanto quanto possível. Ser capaz de colocar as coisas em palavras ajuda muito nisso.
Considerando todos os assuntos que trouxemos aqui e a inspiração que essa conversa pode levar aos nossos leitores: tem algum conselho para dar à nova geração de artistas?
O pior é que não existe um caminho comprovado. Isso soa como um clichê, mas é realmente isso. É importante compreender que o significado de qualquer peça musical individual vem do fato de que ela preenche uma necessidade que não era preenchida antes. Uma vez preenchido, o caminho é fechado. Você deve identificar algo mais que as pessoas desejarão em suas vidas, mas ainda não têm ideia do que será.
É como na evolução biológica: duas espécies não ocupam o mesmo nicho. Portanto, sua tarefa é a diferenciação. Identifique algo em que você pode ser o melhor. Se você compete com um milhão de pessoas, isso significa, em última análise, encontrar algo que ninguém mais fez até agora, o que automaticamente o torna o melhor nisso. Se você se contentar com algo que muitas pessoas já fazem, bem, não importa o quão bom você se torne, porque ninguém pode ouvir 10 mil concorrentes.
Portanto, cada caminho é individual, mas todos devem caminhar. Qualquer coisa que valha a atenção de outras pessoas leva um tempo considerável para se concretizar. Escolha sua ferramenta – um instrumento, algum software, uma forma conceitual de ver a música – e pratique 10 mil horas. Aprenda todos os seus aspectos de dentro para fora. Qualquer coisa de valor se baseia em ideias anteriores, algumas na forma de tecnologia e aprendizado. Portanto, escolha o seu ponto de partida, aprenda o que os outros fizeram e mude para o seu próprio estilo.
Nós teríamos muito mais perguntas para fazer (acredite), mas vamos terminar por aqui com uma tradicional do Alataj: o que a música representa em sua vida?
Música.
A música conecta.