Ser mulher em um mercado onde a predominância é masculina sempre foi um desafio. Mesmo nos dias de hoje, observamos cada vez mais a criação de coletivos e empreendedorismo ligado diretamente a luta de espaço e reconhecimento do gênero – que se fazem muito necessários.
É comum falar sobre os grandes pioneiros da eletrônica e reconhecer nomes como Leon Theremin, Pierre Henrique, Pierre Schaeffer ou Brian Eno. Poucos se lembrarão que Leon Theremin ficou popular em Theremin graças a sua turnê com Clara Rockmore. Da mesma forma, poucos sabem que pouco antes de Bob Moog criar seu primeiro sintetizador, em 1963, Daphne Oram já havia criado seu Oramics em 1957.
O patriarcado nas décadas entre 30 e 70 foi caracterizado por impedir fervorosamente o acesso das mulheres a estudos ou a empregos altamente qualificados. Muitas das mulheres ligadas à criação eletrônica viram seus projetos fracassarem por causa de seu gênero: os avanços de Suzanne Cianito na pesquisa tecnológica faliram porque os acionistas não confiavam em uma mulher; Pierre Henry e Pierre Schaeffer demitiram seu assistente por ser muito criativo – o que gerou a possibilidade de trabalhar na Universidade de Nova York e se tornar uma referência de música concreta.
Há mulheres fazendo a música eletrônica mais experimental hoje, mas e antes? Por que as referências a elas estão escondidas nos livros de história? Estamos falando de grandes profissionais, com carreiras musicais que os levaram a fazer parte dos momentos mais clássicos da história do cinema e da televisão (filmagens de filmes como Doctor Who The Mechanical Orange foram arranjadas/compostas por mulheres). Estamos falando de peças que até se tornaram parte das compilações da NASA, dando origem a mulheres que literalmente soaram além da terra.
* musique concrète – música que era “concreta” porque envolvia trabalhar diretamente com o material sonoro. Isso viria de gravações feitas em estúdio (de vozes, instrumentos musicais e objetos variados) ou encontradas nas bibliotecas espaçosas do rádio. As técnicas incluíam tocar fitas em velocidades diferentes, para trás ou como loops.
Daphne Oram (1925 – 2003)
Desde criança, Oram compunha e tocava piano e órgão. Em 1942, foi oferecida a ela uma posição no Royal College of Music. No entanto, ela rejeitou a mesma e aceitou na BBC como engenheira de estúdio e equilíbrio tonal de música.
O Workshop Radiofônico da BBC foi um dos maiores centros de inovação eletrônica do mundo nos anos 1950 e 1960, e sua fundadora foi Daphne Oram. Ela estava experimentando música eletrônica desde os anos 1940 e em 1959 tinha seu próprio estúdio e seu próprio sistema de som desenhado, que ela chamou de Oramics – basicamente, a ideia envolvia usar padrões desenhados em filme claro para modular o som produzido por osciladores, uma ideia ainda hoje usada por produtos como o MetaSynth.
Durante esse tempo Oram compôs Still Point, considerada a primeira peça que combina música acústica orquestral com manipulação eletrônica ao vivo. Em 1957, Oram criou o Oramics, uma máquina para a criação musical baseada no sistema chamado Graphical Sound. Consiste na gravação de sons criados a partir de imagens feitas em um filme e depois reproduzidas em um sistema de som.
https://www.youtube.com/watch?v=hLYVFnQzjtI
Delia Derbyshire (1937 – 2001)
Contemporânea de Oram no BBC Radiophonic Workshop e uma das figuras mais fascinantes da música do século 20, Derbyshire é mais conhecida por seu espantoso acordo de 1963 sobre o tema para Doctor Who – uma das primeiros peças inteiramente eletrônicas de música para serem usadas na TV em qualquer lugar e uma história fascinante por si só – mas seu trabalho se estende muito além daquela melodia icônica.
Graduando-se em matemática e música, ela se especializou na história da música medieval e moderna e trabalhou como assistente em conferências de rádio para a União Internacional de telecomunicações da ONU. Algumas de suas técnicas usadas para composição musical foi a “seqüência de Fibonacci”. Entre suas ferramentas de trabalho estavam as fitas magnéticas que ela usava para gravar sons e que depois manipulou com geradores de som branco, osciladores de válvulas, filtros ou gravadores de fita. Delia foi postumamente concedida um Ph.D. honorário pela Coventry University.
Wendy Carlos (1939)
Formada em física e música, Wendy foi uma das pioneiras no uso de sintetizadores. Ela pesquisou tecnologia eletroacústica colaborando no desenvolvimento do sintetizador Moog e foi uma precursora do synthpop, ambient e new age. WC também tornou-se popular por suas adaptações de peças de Bach usando o synth e em consequência disso, ganhou três prêmios Grammy.
Em 2005, recebeu o prêmio SEAMUS Lifetime Achievement Award “em reconhecimento ao sucesso e contribuição vitalícia à arte e artesanato da música eletroacústica” da Sociedade de Música Eletro-Acústica dos Estados Unidos. Pode conhecê-la com a trilha sonora mais futuristas feita para o filme Tron Original, onde ela também foi responsável por várias partes não-eletrônicas notáveis .
Eliane Radigue (1932)
Eliane estudou piano e trabalhou como assistente de Pierre Henry durante suas estadias em Paris. No entanto, sua evolução criativa e seu uso do micro e dos longos loops com “efeito Larsen” não agradaram a Henry e Schaeffer, que, considerando-o muito provocativo, dispensaram seus serviços.
Por volta de 1970, ela criou sua primeira música baseada em sintetizador em um estúdio que compartilhou com Laurie Spiegel em um synth Buchla instalado por Morton Subotnick na NYU. Seu objetivo naquele momento era criar um “desdobramento” lento e proposital do som, que ela sentia estar mais próxima dos compositores mínimos de Nova York da época do que dos compositores franceses de música concreta que haviam sido seus aliados anteriores.
Após a estréia de Adnos I em 1974 no Mills College a convite de Robert Ashley, um grupo de estudantes franceses de música sugeriu que sua música estava profundamente relacionada à meditação e que ela deveria estudar o budismo tibetano, duas coisas que ela não conhecia.
Suzanne Ciani (1946)
Suzane estudou composição em Berkley e nesse tempo trabalhou com sintetizadores de soldagem Buchla. Após isso, durante 10 anos, dedicou-se a explorar suas possibilidades. Nos anos 70 mudou-se para Nova Iorque e criou a sua própria empresa. A Ciani Musica especializou-se na criação de música e efeitos sonoros para televisão e videogames. Além disso, fez comerciais para American Express, General Electric, Atari e Coca-Cola.
Seu trabalho a levou à fama por ser capaz de reproduzir o som de uma abertura de garrafa da Coca-Cola (com um sintetizador). Ela também fundou o Centro Eletrônico de Nova Música. No entanto, os patrocinadores não confiavam em uma mulher que também compunha com um instrumento muito pouco conhecido naquela época. O festival Sónar em 2017, trouxe a artista para sua programação, assim as pessoas puderam vê-la se apresentar.
Annette Peacock (1960)
Nascida em 1941, no Brooklyn, Nova Iorque, Annette Peacock começou a compor com cinco anos de idade. Seu notável álbum de 1972, I’m the One, foi tão inovador quanto estranho, combinando elementos de free jazz, poesia de forma livre e rock psicodélico para resultar em um release que ainda soa surpreendentemente contemporâneo hoje em dia.
Em meados de 2006, ela recomeçou sua própria gravadora ironic US com o álbum 31:31. Ao mesmo tempo, o resultado de sua colaboração com Coldcut, Just for the Kick, foi lançado no álbum Sound Mirrors, distribuído pela gigante britânica Ninja Tune. Sua música também foi gravada por David Bowie, Brian Eno, Mick Ronson, Al Kooper, Pat Metheny, Busta Rhymes, J-Live, RZA, Ghostface Killah, Morcheeba e outros.
Clara Rockmore (1911-1998)
Há uma argumentação a ser feita de que o Theremin continua sendo o instrumento musical mais gloriosamente científico que alguém já inventou e poucas pessoas o tocaram melhor que Clara Rockmore.
Ela era um prodígio de violino em sua juventude e descobriu o novo instrumento notável de Leon Theremin na década de 1920, quando ele chegou com ele da Rússia. O timing foi perfeito – Rockmore foi forçada a abandonar o violino por causa de uma condição de seu cotovelo – e ela se tornou seu principal expoente, colaborando com o próprio Theremin para refinar o design do instrumento e criar técnicas que ainda são usadas hoje.
Laurie Spiegel (1960)
Laurie Spiegel nasceu em Chicago, onde na adolescência tocava violão, banjo e bandolim, e através deles cultivava uma filosofia devota de fazer música amadora.
Tendo trabalhado com sintetizadores analógicos desde 1969, ela procurou o maior controle de composição que os computadores digitais poderiam fornecer e escreveu um software de composição interativa na Bell Labs de 1973-79.
Mais tarde, ela fundou o Computer Music Studio da Universidade de Nova York e tornou-se famosa nos círculos de música rock por seu software de música. No inicio de 2017, surgiu um interesse no trabalho da compositora, quando a faixa Sedimento apareceu na trilha sonora de Os Jogos Vorazes.
Laurie Anderson (1980)
Uma das mais renomadas e ousadas mulheres criativas da América, conhecida principalmente por suas apresentações multimídia – seu álbum O Superman foi um dos maiores charts de pop na Inglaterra nos anos 80. A abordagem infinitamente inovadora de Anderson à música fez com que ela criasse seus próprios instrumentos – mais notavelmente o violino de fita, que usava fita magnética em vez de crina de cavalo e mais tarde foi refinado por incluir um sampler MIDI. Laurie foi destaque na seminal compilação 1977 Women in Electronic Music (junto com Oliveros e Spiegel) e 35 anos depois, ela continua sendo inventiva quanto sempre.
Não perca a participação dela na 42 Mostra internacional de Cinema de São Paulo com a instalação Chalkroom em Realidade Virtual, no Cine Sesc na Rua Augusta até o dia 31 de outubro.
Pauline Oliveros (1950)
Pauline Oliveros foi um dos primeiros membros da Tape Music Center em São Francisco e tornou-se diretora quando se mudou para o Mills College, em Oakland.
Ela fundou o Deep Listening Institute, um órgão dedicado a desenvolver a filosofia de “distinguir [a] diferença entre a natureza involuntária da audição e a natureza seletiva voluntária da escuta”.
A MÚSICA CONECTA.
